這次的「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」真的值得一看！從 2025 年 6 月 14 日一路展到 10 月 12 日。展期夠長，大家可以找個舒服的日子慢慢逛。展出的內容也很精彩，總共帶來 80 多件從美國大都會博物館空運來台的真跡名畫！從畫風到時代背景都很有看頭，而且還包含了梵谷、高更、雷洛瓦、馬諦斯這些大家耳熟能詳的藝術大師作品。這是大都會博物館第一次大規模來台展出，錯過真的會扼腕啊！
Table of Contents
美國大都會博物館名作展｜展覽亮點
- 首次大都會館藏來台，真跡空運直送：81 件原作從紐約大老遠空運來台，不用出國也能近距離欣賞世界級大師的原作。
- 素描與水彩同場展出，窺見創作過程：包含 12 件水彩與 22 件素描，像是在看藝術家腦袋裡的草圖和試色卡。
- 故宮第二展覽館整修後首展，空間升級：故宮第二展覽館整修後超挑高、採光又好，冷氣超涼，看畫超舒服。
羅伯特・雷曼的私人珍藏
這次展出的 81 件名畫，就是從大都會博物館裡的雷曼珍藏中精選而出，對我們來說可說是把世界級私人收藏搬到身邊，真的是眼睛大開的機會！
羅伯特・雷曼（Robert Lehman）是一位美國銀行家與藝術收藏家。（沒錯，雷曼兄弟就是他們家的）他從年輕時開始收藏，60 多年來蒐羅了來自歐洲近七個世紀的珍貴畫作、水彩、素描，以義大利文藝復興時期（尤其是錫耶納畫派）以及早期北歐作品最為豐富。加上雕塑、玻璃製品、紡織品、古董畫框、陶器、琺瑯彩繪以及珍貴的珠寶首飾，總數高達 2,600 件左右，畫作則有約 300 幅、750 件素描稿，是位真正用心收藏的藝術大師。他對藝術品的收藏與佈展也超講究，甚至在紐約家中的展示風格影響後來的博物館專區設計。
1969 年雷曼過世後，他以遺囑方式將這麼精采的收藏捐給大都會藝術博物館，希望能讓更多人欣賞到這些藝術瑰寶。博物館還特地打造「雷曼翼樓」（Robert Lehman Wing），1975 年開放，讓觀眾能感受如進入雷曼家客廳般自在的觀展氛圍。
美國大都會博物館名作展｜語音導覽
這次展覽的語音導覽邀請台北 101 董事長賈永婕以她那迷人的聲線化身「專屬語音導覽員」。她的導覽內容風格親切有感染力，能帶你一步步鑑賞畫作、細聽那背後的故事與風格演進。正如她自己所說：「有時候看畫最好還是要有一點講解……如果可以更了解，背後的故事的話會更精彩。」
※ 關於導覽模式：連結
美國大都會博物館名作展｜五大主題
這次展覽的作品很用心地分成五大主題區，按照時間順序排列。你可以一邊走一邊看，從 19 世紀中葉一路走到 20 世紀中葉，就像跟著藝術家們穿越一百年的時光。每一區都有不同的主題和風格，從人體的描繪、人物的神情，到風景的變化和都市與鄉村的轉換，讓人不知不覺就走進了那個時代，感受他們怎麼用畫筆回應身邊的世界。我會重點介紹每個主題區域重點畫作，以及建議欣賞的方式。
＊本文畫作圖片來自展覽現場拍攝及 美國大都會博物館 線上館藏：The Met Collection
第一主題：身體姿態
展覽一開始從身體這個主題切入，帶大家看看藝術家們怎麼用畫筆詮釋人體。其實畫人體不只是為了追求美感，更是一種技術挑戰，像是光影、肌膚的質感，還有姿勢動態，都超考驗功力。
你會看到高更畫的大溪地女子，筆觸奔放又有異國風情；馬諦斯的裸女躺在扶手椅上，配色很大膽，線條簡單卻很有韻味；還有秀拉的模特兒習作，用點描法細細堆疊出人物的神態。這一區就像是在告訴我們，身體可以是藝術家的語言，透過不同的技法和視角，把情感、觀念甚至文化差異全都畫進去了。
《沐浴者》保羅・塞尚 , 1874–75
這幅畫描繪一群裸體女性在河畔戲水，場景如詩如夢，但結構卻冷靜堅固。塞尚刻意將人物群像安排得近乎幾何化：你可以看見三角形的站姿、橢圓狀的手勢、以及那似建築般構成畫面骨架的樹與地形。他不是在描繪瞬間，而是在「建造」畫面，一磚一瓦、穩固耐看。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 看人物，像雕塑一般站立或伸展，他們身體的重量是有感覺的。
- 看背景，尤其是遠方的樹與地平線，它們不只是風景，而像是整體構圖的支架。
- 視線從前景水面開始，讓它帶你延伸至畫面後方，感受空間深度的堆疊。
《大溪地的出浴女子》保羅・高更 , 1892
畫面正中央，一位背對觀者、身材渾圓、膚色飽滿的裸女站在紅毯上，高舉左臂抓頭髮，姿態自然卻頗具力量。她的身體幾乎佔據畫面垂直中線，是視覺焦點，也是象徵性的「柱」。前景左下與右方坐著其他女子，彼此姿態不同，但身體姿勢皆向水面或畫外集中，形成一種集體但不交談的沉思感。
色彩方面，這幅畫展現高更標誌性的純色塊運用：亮綠、朱紅、靛藍，畫中沒有明確的光源，卻處處充滿色彩與輪廓的張力。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 從背部人物開始，她是畫中唯一站立者，是視線起點也是全場氣場來源。看她如何與後方曲線海浪與地形視覺對應。
- 注意畫面下方的紅色毯子與草地間的色彩張力，它們像是為這個畫面「鋪設舞台」。
- 然後看人物的髮型、膚色、姿態，你會發現高更畫的不是個別肖像，而是一種集體的「異地女性想像」。
《裸體模特兒習作》喬治・秀拉 , 1886-87
這幅畫看似簡單：一位裸體女子筆直站立，雙手遮蔽下體，直視前方，背景是一面無裝飾的牆與一張低矮的椅凳。這一切，都是極度克制與計算後的結果。
整幅畫的技術核心，是秀拉著名的「點描法」（Pointillism）與筆觸排列系統的前身——這幅是他早期探索光影與視覺感知的實驗品之一。你可以看到，整張紙面都是用一顆顆細小筆觸慢慢堆疊而成，像是光的粒子構築出形體。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 請靠近一點：人物沒有一筆線條是強烈的輪廓，所有陰影、明暗、立體感，都是由成千上萬細小短線構築出來的。這是秀拉練習「如何讓光浮現於空氣中」的一種方式。
- 接著後退一步，讓畫面模糊：你會發現這名女子不是「畫出來的」，而是像被一束光慢慢顯影、凝結在空間中。
- 注意構圖中那張小凳子，它並不是多餘配角，而是幫助平衡構圖的「重量點」——讓人物不會飄浮，視覺有著力處。
這幅畫是秀拉名畫《模特兒》（費城巴恩斯基金會藏）中人物的草稿。
《鏡中倒影》亨利．馬諦斯 , 1923
畫面中央是一名裸體女子斜靠門邊，身體自然傾斜、雙腳交錯，姿態輕鬆。左側出現一面鏡子，鏡中倒影將人物的背面展露出來，創造出一種前後、實虛、內外的交錯空間。
房間裡的窗戶、椅子、牆面皆以簡略的塊面與炭筆筆觸勾勒出來，刻意模糊、不追求精準細節，反而讓觀者將注意力聚焦在裸體本身，以及她與「自己影像」之間的張力。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 先注意整體構圖：人物、倒影與背景中的牆線、家具形成幾組交錯的斜線與框架，營造出空間深度與視線錯位。
- 接著看倒影：畫面裡的「她」與鏡中的「她」，其實神情不同，像是一人在思索、一人在回望。
- 再看身體表面的光影與筆觸變化：這不是光線的再現，而是形體的建構節奏——炭筆在這裡就像一種雕刻刀，一筆筆「刻」出身體的重量與柔軟。
《扶手椅上的裸女》亨利．馬諦斯 , 1920
畫面中的女性裸體模特兒慵懶地斜坐在金黃色織紋扶手椅上，身體向左傾斜，手撐臉頰，眼神迷離，整個姿態既私密又自然。她的身體被包圍在花紋繁複的紅色地毯、裝飾牆面、鏡框與桌上的花瓶之中——一切既是背景，也是構圖的共演者。
馬諦斯的色彩與造型在這幅畫中達到寧靜中的熱烈：人物膚色略帶灰紫、與家具的金黃、地毯的紅、花瓶的藍構成層層對比與協調。筆觸鬆弛、輪廓不刻意追求銳利，而是在「色塊」與「空間感」中完成形體。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 先看人物身體如何「陷入」椅中：這種環繞式的空間關係是馬諦斯的典型構圖。
- 然後看地毯與家具的花紋，你會發現他不是裝飾性地加上去，而是讓圖案本身參與畫面節奏。
- 視線再回到人物面部：並非畫一張傳統意義的「肖像」，而是一種感覺的延伸，一個在房間與畫布中都「放鬆」的身體。
第二主題：肖像與人物
接下來這一區，是我自己很喜歡的一區。這裡的畫作不只是單純畫臉或畫人，而是透過人物來講故事。
那個時代剛好是工業化正在發展的時候，城市開始熱鬧起來，中產階級也冒出頭，大家開始想用肖像來展現自己的品味和地位。像考特的《春日》，畫中的女孩穿著漂亮洋裝、坐在窗邊，整幅畫都散發著一種悠閒又自信的氣質；還有雷諾瓦的《彈鋼琴的少女》，畫面柔柔的、光線很溫暖，看了會忍不住想多停留一下。這些畫紀錄了一個人的樣子，更讓你感覺到在說「這個人是誰、她在想什麼、她屬於哪個時代」，很有代入感。你可以一邊看、一邊想像他們當時生活的樣子，還挺有趣的！
《化裝舞會扮演者》雷蒙多・馬德拉索 , 1875–78
繪了一對身著華麗戲服的男女坐在庭園一隅——女士身穿粉白緞面裝束、戴著黑色半遮面具，男子則穿著紅白相間、羽毛點綴的哈洛金（Harlequin）服飾，深情傾身與她交談。兩人互動曖昧，眼神閃爍，一場精緻的情感遊戲正悄然展開。
細節精妙如珠寶般閃亮：從女士胸前的珍珠項鍊、精緻的面具，到男子服飾上微微起伏的絲絨反光，都展現出畫家對布料質感、肌膚光澤與人物神情的完美掌握。
畫面後方是玫瑰爬滿的綠色棚架，象徵浪漫與隱密；前景地板上的木盒與折疊斗篷，則提示這場約會可能才剛開始。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 注意角色間的肢體語言與距離：她微微傾身，他幾乎靠近耳語，但兩人間仍有一點空隙，那是誘惑與矜持之間的張力。
- 面具的使用是關鍵：這是角色扮演，也是社會遊戲的縮影，你我也許就是觀畫的另一位舞會旁觀者。
- 看材質處理：馬德拉索對絨布、紗裙、花卉與膚質的掌握幾乎能與攝影媲美，這是寫實主義最後的黃金時期。
《春日》皮埃爾・奧古斯特・考特 , 1873
畫中是一對年輕戀人坐在森林秋千上，女子穿著半透明的輕紗，男子一襲古典式紅袍，兩人緊貼彼此，宛如正從空中飛躍而下。畫面充滿柔和光線、鬆軟肌理與細膩構圖，將這段青春愛戀描繪得既詩意又帶一絲神話般的理想主義。
- 特別值得注意的地方：
- 女子的目光直直望向觀者，充滿信任與依戀。
- 男子的雙臂與右腿形成穩定三角結構，象徵保護與支撐。
- 鞦韆繩索筆直延伸至畫外，讓整體構圖具備動能與延展感，彷彿下一秒就會真的搖晃起來。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 看人物姿態與手臂交錯，構圖極精巧，人物雖緊貼但沒有混亂，是愛與動作的完美交會。
- 光線從左上灑落，透過女子薄紗，在膚色與衣褶之間創造一種近乎夢境的發光效果。
- 背景植物、石塊、池水都極其寫實，但又不喧賓奪主，讓人物如「春天化身」般坐鎮中央。
《彈鋼琴的少女》皮耶–奧古斯特・雷諾瓦 , 1892
本次展覽的主視覺畫作
這幅畫不講情節，只講光、音樂與情感的默契。
它讓我們聽見畫面中未被畫出的旋律，感受到那種日常中溫柔的陪伴時刻。
1892 年，雷諾瓦收到來自盧森堡博物館的非正式委託並完成。 雷諾瓦使用油畫方式畫繪製了作品的其他三種變體，兩幅草圖一幅油畫以及一幅粉彩畫。目前有兩幅分別收藏在巴黎的奧賽美術館及橘園美術館。
※ 奧賽美術館藏：彈鋼琴的少女
※ 橘園美術館藏：彈鋼琴的少女
畫中兩位少女在家中鋼琴前共處：金髮少女坐在鋼琴椅上演奏，棕髮少女靠在她肩旁，似乎在聆聽或輕聲引導，眼神落在樂譜上。畫面充滿親密與寧靜的家庭氛圍，色彩柔和、筆觸鬆散，所有元素都散發著一種「生活中的詩意」感。
雷諾瓦在這幅畫中刻意不做強烈對比與戲劇效果，反而用模糊、暈染與柔光讓畫面像是用音樂慢慢流動出來的。他以這種方式，捕捉了一個最日常但又最純淨的「靜謐時刻」。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 看女孩們的姿態與關係：她們的身體語言親密但自然，彷彿是姊妹、朋友。這種模糊不清，讓觀者自由想像情感連結。
- 注意整體的色彩和光：柔和的粉色、藍綠與奶白色交錯，沒有明確陰影，但整體畫面充滿「光的包覆感」——這是雷諾瓦晚期的風格特徵。
- 背景的花瓶、窗簾、燭臺、沙發等室內物件增加了畫面的層次，更強化了這是一幅關於「生活中的藝術」的畫。
《殖民地軍團中士》亞伯特・馬爾凱 , 1906-07
畫面中的中士穿著筆挺的殖民地軍團制服，雙手交疊、表情嚴肅中帶有一絲冷漠。他嘴裡叼著一根雪茄，略為傾斜的坐姿讓人感覺他對身分既驕傲又疲憊。整幅畫線條簡練、背景極簡，只以淡黃與白色暈染成不規則牆面，讓人物更突出。
最引人注目的是：制服的黃、紅與墨藍大膽對比，加上筆觸的堅實用力，使這幅畫既有裝飾性，又保留了現實感。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 注意馬爾凱的輪廓與剪影法：他以厚實筆觸勾勒出人物身形與服裝細節，卻不強調光影建模——這是從野獸派學來的減法技巧。
- 看這張臉的情緒與距離感：這不是一幅描繪性格內在的「心理肖像」，而是一種帶有「觀察意味」的紀錄，人物彷彿對觀者毫不關心，強化了殖民時期軍人的冷峻與孤立。
- 從服裝讀時代感：制服上的銅扣、肩章、帽徽，都是法國殖民體制下軍官階級象徵，但馬爾凱畫法不諂媚、不戲劇，讓人看到的是制度中的人與消耗感。
《 Maria 》凱斯．凡．東根 , 1907-10
畫中的女性身穿鮮紅色洋裝，背景簡潔幾乎全白，臉部與脖子以冷色調構成，眼神既明亮又帶點挑釁。那頭黑髮與深紫藍陰影形成與臉部膚色的對比，整幅畫構圖簡約，視覺衝擊強烈卻不繁複。
Maria 的表情不過於細膩，但氣場強烈，仿佛她不只是坐在畫布中，而是「走進你的視線裡」。
這不是一幅「再現」肖像，而是一場色彩與性格的表演。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 觀察色彩對比：臉部冷色 + 背景白色 + 洋裝紅色，三個強烈色塊構成一種「時尚封面」感，這正是鄧肯擅長的現代感構圖。
- 聚焦眼神與表情：他省略光影細節，強化眼睛、唇色與臉部線條，使 Maria 更像是神話與都市女人的混合體。
- 看看那件紅衣服：筆觸狂放而精準，紅色衣服的構造看似隨興，卻巧妙平衡畫面上下色彩重量。
《春天：站在花園裡的瑪格》瑪莉・卡薩特 , 1900
畫中的小女孩名為「瑪格」，一個來自卡薩特鄉間別墅附近村莊的孩子，是卡薩特近五十幅作品的模特。瑪格身穿粉紅色洋裝與白色澎袖，似乎在花園中靜靜地觀察某樣東西，神情柔和，略帶羞澀。背景是一片飽和的綠色草地與蜿蜒曲徑，環繞著這位沉浸在春光中的女還。
色彩配置溫暖又清爽：粉紅與草綠交織出一種早春的清晨感。
人物神態柔中帶靜，與自然背景形成一體，既不搶眼，也不模糊。
衣著質感與筆觸：卡薩特特別強調布料的光澤與皺摺，讓畫面具有一種「感覺得到的觸感」。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 注意構圖：人物幾乎充滿畫面左側，背景則以草地與彎曲小徑帶出空間延伸感。這讓觀者能自然聚焦在女孩的臉部與雙手上，感受她的內在專注。
- 欣賞她的姿態：不像正式肖像那樣挺直或凝視觀者，這是自然狀態下的停頓，捕捉到的是生活片刻的真實神韻。
- 感受春天的靜與動：風似乎正吹動草帽的緞帶，身後的彎道帶來動勢感，而人物本身則如雕塑般靜定。
《蕾絲女工（臨摹維梅爾）》薩爾瓦多・達利 , 1955
這幅小巧卻極具穿透力的作品，是達利對「古典秩序」與「超現實細節」掌控力的示範，達利將維梅爾的構圖與光線一絲不苟地再現，甚至仿照了蕾絲枕上的絲線與女工的專注神情。「DALÍ」簽名出現在畫面右上角，清楚表明這不是一幅偽作，而是對大師之作的自我再詮釋。這幅畫將 17 世紀荷蘭與 20 世紀西班牙對話，彷彿一種超越時空的藝術致敬行為。
達利是眾所周知的技術狂人，他曾公開表示：「維梅爾是歷史上技術最好的畫家，他每一筆都是奇蹟。」這只是他多幅向維梅爾致敬的作品之一。他甚至在晚年夢想蓋一座「維梅爾的房間」，將自己活埋其中。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 觀察細節 vs 畫面整體：這不是一幅創造新畫風的作品，而是一場靜謐的模仿遊戲。你越靠近越驚訝，因為連光的傾斜角度都被達利以病態的精確度重現。
- 觀看的情緒：原作的女工安靜、謙卑、專注，這份感覺被達利保留了下來，卻加上一層幾乎是「宗教般的凝視」。
- 與達利其他作品對照：這幅畫與達利常見的溶解時鐘、變形人像截然不同，它反而揭示了他對技術、歷史與傳統的極高敬意。
《珀伽索斯與貝勒羅豐》奧迪隆・魯東 , 1888
魯東是象徵主義運動的核心人物，擅長將夢境、神話、詩意與潛意識化為具象視覺。他自稱創作的目標是：「畫出讓看不見的變得可見。」
這幅作品是他黑色創作系列的鉅作之一。該時期多以炭筆畫出神秘、幽微的形象（稱為 noirs），本作即是其中代表。晚年雖轉向色彩繽紛的粉彩與油彩，但其對夢境的執著始終未變。
- 這幅畫描繪的是希臘神話中的一幕——貝勒羅豐即將駕馭天馬珀伽索斯的瞬間，以現實中的光明與陰影交錯相融：
- 黑色主調帶出神秘氛圍：使用炭筆與暈染製造如夢如霧的背景，彷彿從虛無中召喚神話場景。
- 對比強烈的光線處理：利用白色粉筆與擦除技巧，讓馬首與翅膀閃耀在畫面中心，有如神諭乍現。
- 模糊人馬輪廓：貝勒羅豐的人形幾乎與馬身融合在一起，象徵人與神獸合一、力量與理想的結盟。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 從黑暗中尋找光：光與影的對比，是魯東傳達情感與神秘的媒介。
- 進入神話的心理空間：這不只是故事插圖，更是人類潛意識中的英雄之旅。
- 欣賞技法的層次感：由炭筆、粉筆到擦除手法，每一層都是情感的累積。
第三主題：徜徉自然
看完人之後，接下來我們要走進自然啦～藝術家們走出城市、面對大自然，用畫筆去捕捉光線、樹影、山丘、天空的變化。
那時候的法國，剛經歷工業革命，城市愈來愈擁擠，很多畫家就選擇往鄉間跑，到戶外寫生、找靈感，也因此開啟了一波風景畫的大變革。像塞尚畫的《布凡莊園附近的樹木與房舍》，整幅畫讓人感覺空氣都在流動；還有梵谷的《花朵盛開的果園》，那個色彩真的超迷人，充滿春天的生命力。這些作品很不像傳統風景畫那樣拘謹，而是把感覺和氣氛畫進去了，就好像你站在畫前，也能聞到花香、感受到微風吹過的感覺，真的很療癒！
《花朵盛開的果園》文森．梵谷 , 1888
1888 年春天，剛到南法亞爾（Arles）時的梵谷「沉浸在創作的熱情中」。他寫信給弟弟提奧說：「樹木繁花似錦，我想畫一個充滿歡樂的普羅旺斯果園。」從三月下旬到四月下旬，梵谷以果園為主題創作了十四幅油畫，尺寸、版式和風格各異。這幅作品以萌芽的樹木稜角分明、細長的枝條為主，畫風展現了梵谷對日本版畫的喜愛。他筆下的大鐮刀和耙子，使這幅畫成為僅有的兩幅暗示人物存在的果園畫作之一。
- 畫作重點：
- 筆觸的節奏性：仔細看草地和花朵，會發現像是用節拍器畫出來似的規律——每一筆都是向上的小節拍，草不是靜止的，是「在長高」的。
- 粉嫩天空、嫩綠枝椏：梵谷用近乎孩童畫風的簡化輪廓，把初春描得像夢：樹不是複雜交錯的植物，而像是被風吹皺的蕾絲圖樣。
- 畫面右下角的大鐮刀和耙子：一把鐮刀和一把農耙靜靜靠著樹幹，成為觀者進入畫中世界的媒介。它暗示剛剛有人在這兒工作過，卻離開了，只留下自然本身。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 遠觀 – 整體色調與構圖：像看一個正在醒來的春天；左密右疏、由下往上的空間節奏讓人不自覺抬頭。
- 中距：筆觸方向與顏色拼貼：梵谷像刺繡般「點點繡」上每一朵花、每片草。
- 近看：耙子與樹枝的厚塗層：耙子的紅銹，是他用畫刀堆出的立體色層，像是時間留在畫布上的皺摺。
《繁星風景》亨利 – 埃德蒙・克羅斯 , 1905-08
這幅畫並非自然寫生，而是詩意抽象。繁星不再只是天文現象，而是內心情緒的視覺隱喻。畫中的星星多得像下雪，彷彿夜晚也在悄悄盛開。地景一筆不苟，像剪影；而天空則是無數筆觸奔放交織，營造出閃爍流動的感覺。這種對比強調夜的神祕，也突出了星空的主角性。仔細看，星星不是單一亮點，而像是被層層光波包圍，創造出星芒向外擴散的視覺效果。這是色點主義的精緻極致。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 模糊視線，看光如何閃爍：用餘光觀察星星間的閃動，體會點描帶來的動態感。
- 從夜空走向地平線：讓視線從燦爛星光一路往下移，看那些墨藍剪影如何「托住」整個夜晚。
- 體會色彩的「呼吸感」：星星間黃色的點疊加在冷藍背景上，如同顫動的呼吸。
《布豐莊園附近的樹木與房舍》保羅・塞尚 , 1885-86
這處布豐莊園是他父親留下的產業，塞尚在那度過多數創作生涯，這些風景，是他人生與藝術交錯的見證。塞尚強調物體的「結構」，他說：「我要用圓柱體、球體與圓錐體來處理自然。」這幅畫就是畢卡索與布拉克未來立體派革命的基礎。相對印象派重感官，塞尚更注重理性構造。他一遍又一遍描繪布豐莊園周邊風景，不是為了畫得像，而是畫出「形式的真實」。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 從屋舍往前看：讓視線從遠方的小房子一路回到畫前，會發現每條樹幹都像是路標，引導你閱讀畫面的層次。
- 看每筆筆觸的方向：塞尚的筆觸是有「方向感」的，例如樹枝是斜斜地拉、地面是水平堆疊，彷彿在為大自然鋪磚造牆。
- 感受空間的「呼吸」：星雖然沒有陰影線，整幅畫卻讓人覺得空氣流動，像午後微風，這是塞尚獨有的空間節奏感。
第四主題：從城市到鄉村
這一區我們從自然回到人群。畫面一轉，我們就走進了 19 世紀末的巴黎街頭，或者某個風景如畫的小鎮。
當時的藝術家開始對生活環境感到好奇，不論是繁忙的都市還是寧靜的鄉村，都成了他們畫筆下的新主角。像畢沙羅的《冬天早晨的蒙馬特大道》，你可以感受到一早街道上那種剛醒來的氛圍，行人和馬車穿梭其中，有點忙碌又帶點浪漫；而秀拉的《大碗島的星期天下午》習作，則帶你來到河邊草地上，人們悠閒地散步、釣魚、曬太陽，整個節奏慢了下來。這一區的畫作好像在跟我們說，不管是城市的喧囂還是鄉村的靜謐，都是現代生活的一部分，只要換個角度看，處處都有畫面感。
《豐收時刻，龐圖瓦茲》卡米耶・畢沙羅, 1881
畢沙羅是唯一參加所有八次印象派聯展的藝術家，被稱為「印象派之父」。他堅持用畫筆記錄農民、工人與大自然，展現社會與詩意並重的風格。龐圖瓦茲是他創作最多、生活最長久的地方之一。這裡的田野、鄉村、光線成為他觀察自然與人類互動的最佳舞台。不同於莫內捕捉光影的變幻、雷諾瓦讚頌巴黎生活，畢沙羅選擇以「土地與人」為主題，他筆下的勞動者，是溫柔的英雄。
這幅畫畢沙羅利用印象派的筆法——短而跳躍的筆觸將陽光、陰影、農田的顏色細膩分層，尤其可注意地上的黃綠與人物衣著間的互補色調，彷彿陽光在畫布上跳舞。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 筆觸密度：近看你會發現畫面由無數色點組成，遠看卻融為自然立體的田野風光。試著退後三步，你會看到光與色「合而為一」。
- 人物安排：每位農人都在不同姿態與角度，沒有過多誇飾，卻透出默契與節奏，這種描繪真實勞動的方式，是畢沙羅的獨特視角。
- 田野的聲音感：留意畫中低矮作物與背景的樹木風勢對比，幾乎可「聽見」風穿過的聲音，這種視覺與聽覺的融合正是印象派的魅力。
《大碗島的星期天下午》習作 喬治・秀拉, 1884
這幅小型油畫，是秀拉為其鉅作《大碗島的星期天下午》所繪製的約五十幅油畫習作與素描之一。這幅成畫創作於 1884 至 1886 年間，描繪塞納河上一座小島上，巴黎市民悠閒度日的情景。這幅習作展示了秀拉探索構圖的過程，其中人物在最終完成的作品中有了顯著的變化。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 筆觸節奏：靠近觀察，每一筆顏色幾乎不混合，彼此相鄰而不融合。這正是秀拉訓練視覺「自動混色」的過程。
- 角色原型：注意人物姿態：坐在河岸、站立遠望、靠在樹下……這些姿勢之後會在正式作品中「定格」。
- 空間深度處理：秀拉用色彩明度和冷暖對比（如水面與遠方）營造景深，這在當時是一種新穎的視覺處理方式。
《割草的人》喬治・秀拉, 1881–82
畫面僅以一名彎腰工作的割草人為主體，人物身影與收割動作構成畫面的視覺焦點。背景是一片金黃稻田，前景與人物緊密交織，讓觀者感受到動作與空間的即時性。
注意他的用色極富節奏：從褐黃的田地、深藍的上衣到割草器的銀灰，秀拉在這裡並沒有使用後期點描作品中的繁複色點，而是以平面筆觸營造動態流線，讓你「看得見」勞動的節奏感。
割草人的姿勢低伏，雙腿成斜角、手臂用力延伸，這是一種形體的幾何安排——秀拉從早期就已經將「穩定中的張力」視為構圖核心。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 線條構成：割草人的動作與身形所形成的對角線，與畫面水平的田地形成明確張力，象徵人的力量與自然抗衡。
- 色彩層次：看他的黃，不只一種，混合了土黃、亮黃、橙黃與一點點淡綠，在平淡中顯示複雜。
- 人物與背景融合：他讓割草人的腳與田地「幾乎混在一起」，暗示他與土地的密切關係，也是對勞動者的某種致敬。
《冬天早晨的蒙馬特大道》卡米耶・畢沙羅, 1897
1890 年代期間，畢沙羅離開了他位於埃拉尼（Éragny）的鄉間居所，前往巴黎居住一段時間，並在那裡創作了數個以巴黎大街為題的系列畫作。1897 年初，他住在「俄羅斯大飯店」（Grand Hôtel de Russie），從旅館俯瞰街景時驚嘆地說，他可以「一路望穿整條林蔭大道」，彷彿「從鳥瞰視角看到馬車、公車、人群，在高大的樹與必須拉直線條的大房子之間穿梭」。從 2 月到 4 月，他以窗外所見為題，記錄了巴黎街頭的都會風景——包括右側義大利人大道（boulevard des Italiens）兩幅畫作，以及左側蒙馬特大道（boulevard Montmartre）十四幅畫作，忠實捕捉了城市生活的精彩瞬間。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 交通與人群分佈：看畫面下方人潮的疏密、馬車的行進線條，城市交通在此如音符般鋪展。
- 光線處理：雲層下反射的漫光不是打在建築正面，而是灑落在濕潤的地面，形成柔和倒影。
- 建築表面處理：注意右側建築層層露台與窗戶的色彩變化，是印象派式的「色彩堆積光影」。
第五主題：水岸風光
最後一區，是我覺得最有旅行感的一區。這些畫作描繪的地點從法國的海岸、漁村，一路到威尼斯、甚至北非的港口，都是當時交通發展後，藝術家更容易抵達的地方。
他們帶著畫具，走到海邊、河畔，直接在現場感受風、光、浪的變化，用顏色和筆觸記錄下那一刻的氛圍。像波納爾的《聖特羅佩舊港一景》，整幅畫看起來像陽光在水面上跳舞一樣，顏色繽紛又很有節奏感，讓人好像也在港邊曬太陽。這些畫讓人一看就想度假，景色美，更是一種放鬆心情的方式。看完這一區，真的會想立刻訂張機票去看海（笑）。
《水面上的陽光》莫里斯・德・弗拉芒克, 1905
莫里斯・德・弗拉曼克是前衛藝術運動「野獸派」（Fauvism）的核心人物之一。「Fauve」在法文中意為「野獸」，用來形容這群與亨利・馬蒂斯關係密切的畫家們。他們在 20 世紀初的法國活躍，以狂野奔放的風格聞名。野獸派畫家拒絕印象派那種對色彩的微妙處理，轉而採用大膽的筆觸與強烈明亮的色彩。
這幅畫正是他眾多探索光線與氛圍，以及色彩對比效果的作品之一，靈感來自日常的在地景致。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 以藍、紫、黃與橘等對比色組成畫面，水面並非寧靜反光，而是以筆觸與色塊呈現跳躍感，彷彿水波沸騰、陽光閃爍。「感受」水而不是「看見」水。
- 野獸派畫家講求色彩直覺與情感釋放，你可以看到顏料幾乎是被「塗抹」上去的，帶有一種原始粗獷的美。
- 紅色的桅杆，打破橫向構圖的節奏，更像畫家的自我簽名，是視覺的強烈撞擊。
《沙圖的帆船》莫里斯・德・弗拉芒克, 1906
畫面捕捉的是法國塞納河畔小鎮——沙圖（Chatou）的河岸景象。這裡曾是印象派和野獸派畫家的靈感泉源。畫面中的帆船宛如畫布上的白色火焰，在藍色與橘色的波動中航行。
帆船是畫面的靜止主體，卻被周圍水面與天空的狂野筆觸推得動感十足。深藍與亮黃、朱紅與草綠交織成強烈對比，反映弗拉芒克的視覺節奏與情緒強度。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 眼睛在帆、船身與水面間跳動，節奏感像一首狂想曲。眼睛在帆、船身與水面間跳動，節奏感像一首狂想曲。
- 嘗試忽略物件，單純「看色彩」的組合與交錯，那是情緒本身。
- 前景與背景幾乎貼在一起，讓人感覺這不是風景，是一種情緒的「爆裂地圖」。
《聖特羅佩舊港一景》皮耶・波納爾, 1911
1911年，皮耶・波納三度造訪法國地中海沿岸的小漁港聖特羅佩（Saint-Tropez），這幅作品很可能是在他第二次、也就是夏季拜訪時創作的，當時他投宿於友人——畫家保羅・西涅克家中。
畫中所見為老港區，這幅作品選擇一個極具趣味的「夾縫視角」，從市政廳廣場望向碼頭之間，透過兩棟關著百葉窗的建築所形成的縫隙俯瞰而成。街道上可見幾個人物身影，其中除了站在中央、沐浴在紫色陰影中的那位，其餘皆被光線柔化了輪廓。整幅畫彷彿在光影交錯中捕捉了一瞬間的寧靜與流動。
- 怎麼欣賞這幅畫：
- 留意陽光如何打在建築上與海水裡，顏色像是透過絲綢一樣被柔化。
- 看似平面卻充滿「深度暗示」，視線從陰影小巷延伸到海的無盡遠方。
- 作品下方人物被抽象化處理，波納爾是用記憶的眼睛在畫畫。他不畫當下，而是畫回想中餘韻未散的光線。
關於大都會藝術博物館：紐約的藝術寶庫
大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art），它可是全世界最有名、也最大規模的藝術博物館之一，就坐落在紐約中央公園東側。很多人簡稱它為「The Met」，每年吸引超過千萬人次參觀。能夠在台灣看到來自大都會的真跡作品，真的很難得，這樣的機會不常有，值得好好把握。
大都會博物館背景
大都會博物館創立於 1870 年，是由一群美國的藝術家、收藏家和商人共同發起的。他們的想法很單純，就是希望打造一個能夠讓人學習、欣賞世界各地藝術的地方。從一開始的小型收藏，到現在超過 200 萬件藏品，橫跨五千年人類歷史，The Met 早就不只是個博物館，更像是一座文化寶庫。
它特別的地方在於，什麼風格、什麼時代的藝術你都能找到，不管你是愛古典雕塑、宗教畫，還是現代設計，都能在這裡被驚豔到。而且他們的策展也一直很創新，常常用新的方式讓大家重新認識這些老作品，讓藝術變得更貼近生活、更容易感動人心。如果用台灣的比喻來講，它就有點像是「藝術界的故宮＋北美館＋歷史博物館合體再升級」，可以說是一次就把全世界的藝術濃縮在一個地方看個夠！
大都會博物館主要收藏
大都會博物館收藏真的超豐富，幾乎可以說是「人類文明的美術圖鑑」！裡面分成十幾個館區，每一區都像是一個小型的世界博覽會。其中最經典的，就是歐洲繪畫館，你會看到達文西、拉斐爾、倫勃朗、維梅爾、梵谷、莫內這些大師的真跡，像是一本活生生的西洋美術史。
除了畫作，還有古埃及館，有完整的神殿和木乃伊，像是走進時光隧道；亞洲藝術區則收藏了中國、印度、日本等地的古文物和書畫，也很有看頭；還有服裝研究院，每年辦的「Met Gala」紅毯秀，背後的展覽也都在這裡策劃。還有雕塑、中東藝術、中世紀武器盔甲館……說真的，就算你只挑幾個感興趣的區域逛，也會收穫滿滿。
《美國大都會博物館名作展》特展資訊
- 展覽名稱：從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展 羅伯特・雷曼收藏
- 展覽地點： 國立故宮博物院第二展覽館（台北市士林區至善路二段221號）
- 展覽日期： 2025 年 6 月 14 日 – 10 月 12 日
- 營業時間：上午 09:00 – 下午 05:00
《美國大都會博物館名作展》購票資訊
- 票價：500 元
- 線上購票連結：
- 現場購票優惠：
- 優待票：450 元，6 歲以上持有效學生證件及學年註冊章者，每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等不適用)。
- 愛心票：250 元，65歲(含)以上者，需出示證件正本，每證限購1張。
《美國大都會博物館名作展》導覽資訊
- 個人語音導覽：
- 現場租借機器 160 元/台。
- 定時導覽：每日 2 場次（上午 11 點和下午 2 點）
- 每場次限制 20 人。
- 每場約 40-60 分鐘。
- 須配戴子機，每人 50 元/台。
- 僅開放當日現場報名，導覽前至現場登記，額滿為止。
看完這場「美國大都會博物館名作展」，你會發現，藝術其實離我們並不遠，它可能是一抹光影、一個神情，或一幅讓你想停下來多看幾眼的畫面。這些作品跨越了時間與空間，從紐約一路來到台北，現在就等你親自來感受。
如果你還想知道更多展覽消息、作品介紹或觀展小提醒，歡迎追蹤《美國大都會博物館名作展
》的官方粉專 和 Instagram ，也可以上 故宮博物院官網 或是 時藝多媒體官網 查詢最新資訊。無論你是藝術老手還是初次接觸，這場展覽都會給你一段美好的觀看經驗。趁著這個夏天，帶自己走進畫裡的世界吧！
關於其他印象派展覽：富邦美術館｜印象派—從莫內到美國：光、跨越海洋｜觀展攻略
